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IagOthello

Publié le par Mordue de theatre

Critique d'Othello, de Shakespeare, vu le 26 avril 2014 au Théâtre du Vieux-Colombier
Avec Alain Lenglet, Céline Samie, Jérôme Pouly, Laurent Natrella, Elsa Lepoivre, Christian Gonon, Bakary Sangaré, Nâzim Boudjenah, Noam Morgensztern, et Pauline Méreuze, dans une mise en scène de Léonie Simaga

La tendance était à Shakespeare cette année au Français. Après le massacre d'Hamlet par Dan Jemett et Le Songe sans idée ni poésie de Muriel Mayette, c'est à Léonie Simaga qu'on confie la troisième mise en scène du grand Bill. Après ces échecs successifs dans les mises en scène de l'auteur anglais, j'avoue que j'appréhendais un peu le spectacle et que je trainais les pieds en me rendant au Vieux-Colombier. Mais mon premier pressentiment était le bon : Léonie Simaga, sociétaire du Français, grande tragédienne et femme d'une intelligence indéniable, n'a pas reproduit les erreurs de ses prédecesseurs : elle nous propose un Othello bien ficelé, plutôt simple mais pertinent et conforme à l'oeuvre, et synonyme d'une bonne soirée au Vieux-Colombier. J'aurais même parlé d'un excellent Othello si la seule limite du spectacle n'avait pas été Bakary Sangaré, l'acteur interprétant le rôle titre.

Othello est autre. Voilà, je pense, le fondement de la pensée de Léonie Simaga sur la pièce. Il est autre tout d'abord parce qu'il est un noir dans un pays de blancs. Il le dit lui-même : je ne parle pas votre langage, et les mots résonnent d'autant plus fort lorsqu'ils sont prononcés par un acteur noir. Mais Othello n'est pas qu'un Maure à Venise. Il est un homme fou d'amour pour Desdemone, la fille d'un grand patricien vénicien, qu'il a épousée en secret. Il est un grand soldat respecté, et c'est pour cela d'ailleurs qu'il n'est pas puni de cet hymen caché. La puissance du soldat se mèle à son coeur d'homme lorsqu'il apprend de Iago que sa femme le trompe avec Cassio, un de ses fidèles amis : oui mais voilà, il ment et Cassio est honnête, mais Iago hait Othello plus que tout autre être et souhaite sa chute. Le plan diabolique qu'il monte pour anéantir Othello et l'amener jusqu'à tuer sa femme est l'oeuvre d'un homme malin et bas, sans doute l'un des plus grands démons du théâtre. Dans cette mise en scène, le personnage est au moins aussi soigné que l'est celui d'Othello, et, il faut le dire, bien plus réussi.

La première scène est très bien pensée. Plongée dans l'ombre, on devine et on découvre les différents personnages. On les distingue un peu, sauf un, Othello, aussi noir que la nuit. Seule sa voix, puissante, permet de le différencier de la pénombre. Mais bien vite, on comprend que, en lumière ou non, on n'observera pas beaucoup d'expressions différentes sur le visage de Bakary Sangaré, ce qui constitue une première limite de son jeu. De plus, je dois avouer que je n'ai pas été ému du tout par sa manière de jouer, bien trop monotone à mon goût, ce qui pour Othello est dérangeant : déclamer sur le même ton son amour pour Desdémone ou des ordres à ses soldats peut s'avérer gênant. Cependant, il faut reconnaître que Bakary Sangaré prend son rôle à coeur et avec humilité, donnant beaucoup de lui-même : les problèmes de diction qu'on lui reprochait avant n'ont plus lieu d'être ici, et s'il ne parvient pas à émouvoir, il choisit un autre parti qui est celui de la puissance, qu'il maintient durant toute la pièce : faute d'être l'amant, il est le soldat.

Comme je le disais plus haut, un autre personnage est traité avec une attention particulière : il s'agit de Iago, le démon ennemi d'Othello. Le rôle a été confié à Nâzim Boudjenah : la distribution m'avait ravie, et son jeu m'a totalement convaincue. Il n'est pas un Iago profondément noir et effrayant, mais il est plus nuancé : guidé sauvagement par la haine, il est présenté comme un impuissant notoire, malin et manipulateur certes, mais pas dans la finesse et l'intelligence : à voir certaines de ses réactions, comme ses grimaces sur le corps d'Othello lorsque celui-ci est en crise d'epilepsie, c'est le côté bas du personnage qui est accentué : il est profondément laid moralement et c'est ce que nous montre avec talent Nâzim Boudjenah. Il a dans sa manière de dire le texte quelque chose qui rend sa haine réelle, comme si elle venait des tripes, et qu'elle prenait vie en lui. Ses regards vers Othello sont tantôt francs tantôt emplis d'amertume, et il joue la manipulation avec brio. C'est un immense Iago dont je ne saurais décrire toutes les subtilités et que je conseille vivement de voir.

Bien que la partition d'Elsa Lepoivre en Desdemone soit relativement restreinte, sa présence seule amène la douceur absente du plateau. Ses yeux baissés, son air soumis, augmentent encore la puissance dégagée par Othello. La douceur et la candeur qu'elle dégage augmentent encore la fureur de ce dernier, et notre incompréhension de spectateur lorsqu'il ne la croit pas : son crime est d'autant plus horrible d'attaquer une âme aussi vertueuse. Céline Samie, en Emilia, femme de Iago, a su parfaitement me convaincre dans l'hystérie qui suit la mort de Desdémone. Jérôme Pouly campe un Cassio honnête et droit, avec la douceur dans la voix, et de la confiance dans le regard, si bien que seul un aveuglement total d'Othello par Iago peut le conduire à douter de son fidèle ami, Cassio. Laurent Natrella est un Roderigo imbécile à souhait, rapide et précis, tant dans la diction que dans le geste. Le reste de la distribution suit cette excellence et ce talent des comédiens-Français.

J'ai parlé plus haut d'une mise en scène simple, c'est-à-dire que contrairement au Misanthrope vu il y a quelques jours, rien n'est ajouté au texte : c'est en cela un spectacle pur. La traduction est parfois crue, bien différente des belles traductions, peut-être trop chichiteuses, qu'on peut entendre habituellement, mais elle colle bien à cette ambiance très réaliste créée sur le plateau, et au vouloir de Shakespeare - à en croire les connaisseurs, il aurait en réalité une langue bien plus directe que ce qu'on traduit souvent... Les décors, grands et imposants au début de la pièce, se disloquent pour ne laisser que des hauts escaliers par la suite : impressionnants comme toujours au Français, ils manquent peut-être un peu d'invention. L'ambiance sombre est soulignée par de rares musiques rappelant des airs africains par le tam-tam, mais surtout appuyant l'ambivalence d'Othello, qui finira par pencher d'un côté.

On sent vraiment une poigne de fer derrière chacun des personnages, bien dessinés ; une direction d'acteur réfléchie et fine, le fruit de la pensée riche et intelligente de Léonie Simaga. Si on oubliera peut-être Othello, c'est un grand Iago qui restera dans les mémoires. ♥ ♥

Bouquet fané

Publié le par Mordue de theatre

Critique du Roi se Meurt de Ionesco, vu le 23 avril 2014 au Théâtre Hébertot
Avec Michel Bouquet, Juliette Carré, Nathalie Bigarre, Pierre Forest, Lisa Martino, et Sébastien Rognoni dans une mise en scène de Georges Werler

Ne nous mentons pas : c'est autant pour Michel Bouquet que pour Ionesco que je me suis rendue au théâtre Hébertot mercredi dernier. On parle de cet acteur comme d'un monstre sacré, d'une pointure, d'un grand comédien. Mais, si c'est vrai que sur scène on sent qu'il a été quelqu'un, qu'il a cette présence, et cette voix si marquantes, en revanche, on sent qu'il n'est plus : c'est comme s'il était déjà ailleurs.

Sur scène, ils sont 6 : le roi, sa première femme (incarnée par Juliette Carré, la femme à la ville de Michel Bouquet), sa seconde femme, Juliette (femme de ménage et femme de chambre, infirmière, cuisinière et jardinière), le médecin (chirurgien, bactériologue, bourreau et astrologue), et un garde. Ils sont 5 autour du roi, malade, qui devrait mourrir à la fin de la pièce. Il a 1h30 pour résigner à cette mort, à cette fin inéluctable, mais il n'est pas encore prêt, et la pièce montrera son chemin vers l'acceptation de cette mort. La pièce est belle et émouvante, elle doit montrer le passage progressif d'une conscience à la résignation de la mort. Je n'ai rien vu de tout cela.

Il faut préciser que Michel Bouquet reprend la pièce depuis plusieurs années sans interruption. A force de jouer la mort, elle devient une banalité, et il n'a plus alors à s'habituer à l'idée le temps de la pièce, puisqu'il est déjà coutumier de ce sentiment. Je pense que là est la principe explication au manque cruel d'émotion du spectacle. De plus, il me semble que de belles tirades de la pièce ont été supprimées, pour un soucis de temps (ou de mémoire du texte ?) je suppose. 

A cela s'ajoute une mise en scène étrange, empêchant tout brin de sentiment profond d'exister : la pièce est dite à toute allure, particulièrement lorsque c'est Juliette Carré qui parle. L'actrice campe une reine effrayante et sans pitié aucune (assez mal jouée d'ailleurs), constrastant avec la seconde épouse du roi, interprétée par Lisa Martino, toujours dans les larmes et les lamentations. On ne comprend pas où veulent en venir les personnages : les deux reines ne sont-elles que des caricatures ? Une pleurnicheuse et une sans coeur ? J'ai eu de la peine à entrer dans leur jeu, à saisir la relation qui les unissait au roi.

Quant à Michel Bouquet, il a une présence indéniable et il pourrait parfaitement convenir au rôle si seulement il n'était pas aussi habitué à le jouer. Je n'ai pas ressenti d'évolution du personnage, pas de peur face à la mort, pas de résignation. C'est comme si lui-même attendait que cela finisse. Il ne donne plus l'impression de jouer, juste d'être là, d'être Michel Bouquet et non le Roi Bérenger Ier, et d'attendre. Dommage.

Le public se lève et applaudit à tout rompre, saluant plus la longue carrière de Michel Bouquet que sa prestation dans la pièce, à mon avis. Les bravos fusent, l'acteur est tout sourire. Sans doute le moment le plus émouvent du spectacle. Mais au moins je pourrais dire : "j'ai vu Michel Bouquet". Pour ce monument : ♥.

A force de recherche on peut être blâmable

Publié le par Mordue de theatre

Critique du Misanthrope de Molière, vu le 22 avril 2014 à la Salle Richelieu 
Avec Yves Gasc, Éric Ruf, Florence Viala, Loïc Corbery, Serge Bagdassarian, Gilles David, Georgia Scalliet, Adeline d'Hermy, Louis Arene, Benjamin Lavernhe, Heidi-Eva Clavier, Lola Felouzis, Pauline Tricot, Matëj Hofmann, Paul McAleer, et Gabriel Tur, dans une mise en scène de Clémend Hervieu-Léger

C'est au moins le troisième Misanthrope présenté dans les salles parisiennes cette saison. Nouvelle mise en scène, nouvelle vision du texte : des trois Misanthrope vus cette année, pas un n'adoptait le même point de vue. Ici, le célèbre texte de Molière, confié à Clément Hervieu-Léger, comédien de la troupe, est étrangement interprété jusqu'à aller parfois contre le sens instinctif du texte, c'est-à-dire que les actes vont à l'encontre des paroles prononcées par les personnages : à croire que Clément Hervieu-Léger, à l'instar d'Alceste lui-même, pour qui :

Le sentiment d'autrui n'est jamais pour lui plaire;
Il prend toujours en main l'opinion contraire,
Et penserait paraître un homme du commun,
Si l'on voyait qu'il fût de l'avis de quelqu'un.

a désiré renier l'interprétation qu'on fait du texte aujourd'hui pour tenter de briller par la nouveauté : seulement voilà, pour cela, il faut une idée qui ait du poids, une véritable pensée sur la question, pas simplement des petites idées éparpillées par-ci par-là. C'est en cela que la mise en scène d'Hervieu-Léger ne tient pas la route : elle manque de substance, ou du moins elle n'a pas réussi à mettre en valeur le fond de sa pensée.

Et ce n'est pas le seul élément du spectacle qui manque de fond : à commencer par Alceste, interprété par Loïc Corbery : l'acteur n'est pas capable d'émotion. Je l'avais découvert dans La Grande Magie ; il jouait alors un valet, et il était très bon. Il est vif, énergique mais manque terriblement d'intériorité. Ainsi, passé ce genre de rôle, j'ai a rarement été convaincue : seule son interprétation de Christian, personnage devant être creux, a su m'intéresser. Mais que ce soit en Perdican, en Dom Juan, ou en Alceste, on retrouve toujours la même chose, à savoir un véritable manque de profondeur dans le jeu : sa voix vocalisée, sa diction forcée et fausse, ses regards toujours dans le vide, ses intonations répétitives, pleines de tics, ses déplacements rapides et sans finesse, sont autant d'éléments qui ne font pas de lui un jeune premier. Seulement voilà, pour Clément Hervieu-Léger, Loïc Corbery est la perle. Allez comprendre : Alceste semble faux et manque de naturel : il est comme une création ratée, alors même que le rôle appelle à un homme authentique et franc.

A ses côtés pourtant, les acteurs sont tous excellents. A commencer par Eric Ruf, magnifique Philinte, qui joue avec profondeur et intelligence, contrastant avec la légèreté accablante de son ami. Son jeu dépasse celui de son partenaire, et cela s'entend rien qu'à leur rire : celui de Ruf, juste et convaincant surpasse celui, artificiel et sonnant faux, de Corbery. Ce décalage des jeux ne donne que plus d'importance et d'intérêt au rôle de Philinte, trop souvent en retrait, et qui apparaît réellement ici comme le modèle à suivre : homme sage et respectable, bien plus fréquentable que le gamin odieux qu'il doit supporter. Georgia Scalliet est une Célimène tout à fait honorable, le personnage, délicat et rarement bien interprété, est ici poussé dans une véritable méchanceté, tout en conservant les doutes et les nuances de la femme qu'est Célimène. Bien que la voix de l'actrice nous rebute toujours, il faut avouer que son interprétation est faite avec talent, dans les scènes d'ironie et de rosserie autant que celles de tendresse : tantôt émouvante tantôt mauvaise, l'actrice parvient à nous étonner et nous convaincre. Les deux marquis enfin, interprétés par les jeunes Louis Arene et Benjamin Lavernhe, sont délicieux. Sans en faire trop dans la fatuité, ils sont toalement convaincants et donnent la consistance que méritent ces deux rôles, travaillés avec soin. On retient tout particulièrement Benjamin Lavernhe, qu'on aimerait voir en Alceste un jour.

Cependant, le talent des acteurs du Français, on le connaît. Ce qu'on commence à oublier sur cette même scène, par contre, c'est une mise en scène intelligente et intéressante, guidée par une idée proposée par le texte lui-même, sans détails accrocheurs ou moments sans intérêts. C'est sans doute là l'erreur de Clément Hervieu-Léger : d'avoir voulu faire trop de petits détails, sans penser à l'aspect global de la pièce. On perd l'intérêt de l'oeuvre à force de ces allées et venues de serviteurs ajoutés, de ces manteaux enlevés et remis 15 fois par scène, de ce désir de vouloir en faire plus que le texte, en rajouter, encore et toujours... Ou de cette musique inapproprié que joue Alceste au piano et qui revient entre chaque acte : la tension qui devrait se faire ressentir est gommée par cet air enfantin, inutile. Toutes ces éléments accessoires gomment les idées plus générales qui ont pu être celles d'Hervieu Léger vis-à-vis du texte. On pense par exemple à cette vision nouvelle du caractère d'Arsinoé, non plus ironique mais honnête et franche dans sa visite à Célimène pour lui annoncer ce qui se dit sur elle. Après tout pourquoi pas ? On attendant de Florence Viala un jeu ironique à souhait, on n'a eu que franchise et, il faut le dire, déception. Car la scène n'en est plus comique du tout, et l'on perd encore le peu d'enthousiasme qui nous attachait au spectacle. De même, la scène d'Oronte et de son sonnet est bien moins drôle que ce que j'ai pu voir dans d'autres spectacles, malgré l'excellent Serge Bagdassarian. Ce qui ressort de ce spectacle, c'est la volonté du metteur en scène d'expliquer chacun des actes des personnages, de placer l'histoire dans un contexte précis (Célimène sort de son deuil, on lui apporte des robes neuves, on ôte les housses qui recouvraient les meubles...), de romaniser la pièce de Molière, de le tchkekhoviser : nous faire sentir la durée du temps qui passe, les pensées des personnages, les sentiments qui les animent et les guident.

Mais cet effort de placer l'histoire dans le temps est maladroit, car il se traduit en ennui pour le spectateur, en scènes qui s'étirent, infinissables. On pouvait d'ailleurs penser que le spectacle était voué à l'échec dès la première scène : en effet, l'entrée dans l'oeuvre est ratée. La pièce, qui doit commencer in medias res, débute par les cent pas d'Alceste, seul. Comment imaginer que le ton d'une conversation entre Philinte et Alceste est en train de monter alors que ce dernier est seul ? Et le reste de la scène s'allonge, on perd la vivacité du texte de Molière, et le rythme, qui devrait s'établir, est absent.  Un sentiment s'installe qui sera présent durant une bonne partie du spectacle : celui d'un moment long, voire interminable.

On aurait aimé adhérer à cette vision qui, sans doute, plus dépouillée, aurait donné un Misanthope intéressant. Dommage. 

Mon coeur a fait boum aux Déchargeurs

Publié le par Mordue de theatre

Critique d'Un obus dans le coeur, de Wajdi Mouawad, vu le 18 avril au théâtre des Déchargeurs
Avec Grégori Baquet, dans une mise en scène de Catherine Cohen

Cette fois-ci encore, comme beaucoup de mes sorties théâtrales, c'est le nom de l'acteur qui m'a attirée. Grégori Baquet, je le cerne bien maintenant, je l'ai suivi ces dernières années, son sourire triste et ses yeux d'une profonde gentillesse qui se marient si bien aux rôles que je lui connais : Julien dans Colombe, de Jean Anouilh, ou Mr Jenkins dans Colorature de Stephen Temperley. Mais un rôle pareil dans une pièce pareille, je ne l'aurais pas envisagé, et c'est avec curiosité, et appréhension, disons-le, que je me suis rendue aux Déchargeurs vendredi dernier.

Wahab, aujourd'hui, peut dire "avant". Pour qu'il puisse dire "avant", il a fallu que quelque chose se passe, et avec nous il va chercher ce qui a pu déclencher cet "avant". Son enfance, sa peur, le changement de sa mère, la guerre civile au Liban, l'attentat d'un bus auquel il a assisté, et la mort, tout se mélange et tout se distingue pour Wahab. Il ne confond rien mais il assimile. Et il nous raconte.

Dans la petite salle des Déchargeurs, avec deux chaises pour seul décor, Grégori Baquet prend le corps de Wahab et nous surprend. Il n'est plus le Grégori Baquet triste et mélancolique que l'on connaissait ; il incarne Wahab avec énergie et émotion, jusqu'à effrayer les spectateurs dans ses instants de folie. Le crane rasé, il remet souvent sa capuche comme pour se protéger de ce qui l'attend. Avec sa capuche, il est Le Wahab du présent, celui qui vit au Canada et qui se dirige vers l'hôpital pour voir sa mère. Sans sa capuche, il est l'ancien Wahab, il est au Liban et il est dans son souvenir. Son regard effrayé ou inquiet se tourne parfois dans notre direction, alors il tourne la tête et continue son histoire. Le comédien voulait nous prouver qu'il pouvait tout jouer : le pari est réussi ; cette part d'émotion et cette faculté à raconter son histoire, seul en scène, il l'a. 

La langue de Wajdi Mouawad frappe en plein coeur : avec un fil directeur bien dessiné, il parvient à nous raconter beaucoup de choses, tout en laissant la part à l'imagination : tout n'est pas rationnel, tout n'est pas expliqué, et la part d'interprétation personnelle est là. Grégori Baquet donne un corps à l'âme complexe, torturée et perdue, qu'est l'âme de Wahab. Derrière ce personnage, on sent l'émotion et le vécu du narrateur, qui parle ici beaucoup de son histoire personnelle. La peur, la mort, la guerre, il connaît, et les mots le soulignent à merveille. Grégori Baquet, habité par le personnage, est magistral.

Et il ne fait pas le combat seul. La mise en scène qui accompagne le comédien est sans faille : les lumières suspendent le temps et permettent la distinction les différents instants de sa vie. Tout particulièrement, lorsque le comédien décrit l'attentat du bus auquel il a assisté, et que les flammes semblent l'approcher du fond de la scène, l'ambiance inquiétante est retransmise avec brio, et la scène n'en est que plus réussie. L'utilisation des deux chaises enfin, dont je laisse la surprise, contribue encore à l'intelligence de cette mise en scène. Catherine Cohen, qu'on ne connaissait pas, a plus d'une corde à son arc. 

C'est un spectacle entier, une réussite totale, un monde racontée, une histoire soufflée, un Grégori Baquet transformé, qu'on espère retrouver bientôt au Festival Off. ♥ ♥ ♥

Quand la substantifique moëlle de Rabelais prend corps sur scène

Publié le par Mordue de theatre

Critique de Paroles Gelées, d'après Rabelais, vu le 28 mars au Théâtre du Rond-Point.
Avec Marc Bollengier, François Deblock, Patrick Delattre, Karyll Elgrichi, Samuel Glaumé, Benjamin Guillard/Teddy Melis, Camille de la Guillonière, Jacques Hadjaje, Gosha Kowalinska, Blanche Leleu, Clara Mayer, Geoffrey Rondeau et Hugo Sablic, dans une mise en scène de Jean Bellorini

La pièce s'ouvre en annonçant clairement la couleur : trois personnages se précipitent depuis les coulisses sur la scène, et commencent à discuter de la meilleure manière de se torcher le cul. Pour moi qui ne connaissais pas Rabelais (quelle honte !), la surprise est de taille, mais pas question d'être choquée. Tout le spectacle tournera autour de l'oeuvre de Rabelais, et principalement autour du Quart Livre, que Jean Bellorini et Camille de la Guillonière ont su adapter avec intelligence et respect de l'oeuvre : et pour ceux qui, comme moi, ne parleraient pas couramment la langue de Rabelais, le-dit Camille est là, à expliquer sans cesse tel ou tel mot de l'auteur, campant un monsieur "je-sais-tout" énervant au possible, mais attachant malgré tout.

Après cette introduction à l'oeuvre de Rabelais, le rideau s'ouvre, et l'on découvre la troupe, instruments de musiques à la main, chantant et dansant dans l'eau, sur la scène. Déjà, l'entrain et la qualité, qui seront maîtres durant le spectacle, nous enchante. Et le metteur en scène a pensé à tout, et peut-être un peu trop : chaque acteur aura son moment de gloire. Mais cette envie d'égalité est peut-être de trop, et, si chacun des instants de bravoure reste un beau moment, ils ne sont pas toujours utiles et rallongent le spectacle. Je pense tout particulièrement à la scène où Blanche Leleu effectue une danse dans l'eau : ça rend très bien visuellement et l'actrice peut être très satisfaite de sa performance. Cependant : pourquoi ? Je ne trouve pas d'autre réponse que "pour faire joli". Dommage.

Cependant, en dehors de ces moments de gloire personnels, c'est un véritable travail de troupe, et ça se sent. Les acteurs donnent au public, l'ambiance est électrique, mais Rabelais reste maître de la soirée. On suit principalement Panurge et son compagnon Pantagruel, le fils du géant Gargantua, dans leur voyage vers l'oracle de la Dive Bouteille, qui leur annoncera si Panurge doit, ou non, se marier. Avant d'entreprendre ce long voyage, d'autres péripéties nous sont contées, comme lors du parcours dans le ventre du géant rabelaisien : scène par ailleurs très réussie. L'aventure de Panurge et de Pantagruel est contée en mêlant amusement et apprentissage : on n'oublie jamais qu'on est là pour Rabelais, et les intervention de Camille de la Guillonière tombent toujours à point. Panurge est incarné avec brio par le jeune François Deblock, qui, courant sans cesse, sautant partout, se déshabillant, plongeant dans l'eau, et déclamant son texte sans une seule fausse note, nous a fait penser à Pierre Niney et sa prestation dans Le Chapeau de Paille d'Italie. L'acteur est impressionnant de maîtrise et de précision, et porte la pièce sans défaillir. A ses côtés, on retient principalement Geoffroy Rondeau qui incarne un personnage complètement décalé, chanteur à ses heures perdues, et qui nous enchante avec sa reprise de Still Loving You, autant que lorsqu'il entonne Tiens, voilà du boudin !. L'acteur, en kilt, se détache un peu du reste de la troupe par son décalage et, bien qu'il semble tirer la couverture à lui, il faut reconnaître qu'il dégage un je ne sais quoi qui sait capter l'attention et la maintenir à lui. Le reste de la troupe suit le même niveau, à l'exception d'un acteur, qui n'a pas su nous convaincre : Benjamin Guillard, qui, laissé comme seul sur le plateau lorsqu'il doit narrer la tempête, ne parvient pas à capter notre attention, à nous emmener dans son histoire, et nous fait juste trouver le temps un peu long.

C'est un beau spectacle, mais on reproche tout de même à Bellorini d'en faire trop : le texte de Rabelais se suffit à lui-même, et tous ces ornements autour, bien que visuellement réussis, ne sont pas toujours véritablement utiles. Malgré tout, le spectacle est plus que plaisant ! ♥♥